クリス・ペインの「Where Are Your Boys Tonight」から最高のエモソング 15 曲

ペインは、ダッシュボード・コンフェッショナル、フォール・アウト・ボーイ、パラモアなどの曲を通じて、彼の輝かしい 00 年代のエモ オーラル ヒストリーでカバーされた 10 年間の物語を語ります。

アンドリュー・ウンターバーガー著

地下室のショーから MTV ビデオ ミュージック アワードのファンタジー スイートまで、クリス ペインの今夜はどこにいるの? 『The Oral History of Emo's Mainstream Explosion 1999-2008』では、2000 年代初頭のロック ジャンルと若者文化を特徴付けるものの 1 つとなったエモの第 3 の波の進化を追跡します。

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ステージやピット、そしてその間のあらゆる場所でこの時代を生きた人たちの記憶に残っているのが、「今夜はどこにいるの?」です。 この本は、生き生きとして息を呑むような読み物で、実際に初めて経験したことがあるかもしれないし、経験していないかもしれない数え切れないほどの瞬間を追体験させてくれます。 2000 年代初頭のジャージーの消防署のショーの外の刺すような寒さ、2000 年代半ばの売られすぎたシカゴの紙幣の中での閉所恐怖症の圧迫感、さらにはニューヨークのセレブシーンのバーにいるような社会的高揚さえも感じるでしょう。 10年後半。 そしてもちろん、あなたはバンドのことを覚えているでしょう。郊外の絶望と十代の過剰な感情から集まった無数のミニギャングで、あるものは世界最大のロックスターになるという野望を持ち、あるものはいつか世界のトップクラスで演奏したいとただ願っています。地元のVFWホールには数百人のファンが集まった。

この本のエネルギーは、10年間にわたってザ・シーンのさまざまな前哨基地を横断し、最終的にはラジオ、MTV、際限なく雑誌の表紙で全国的に取り上げられるようになり、人を酔わせるものですが、その精神はCDやレコードのコレクションの中に生き続けています。そして音楽を中心に生き、音楽を愛した人々の Spotify と Apple Music のプレイリスト。 文化を変えた不朽の名曲であろうと、時代が変わっていく中で不可欠であったにもかかわらず忘れ去られた宝石であろうと、その曲なしでは語れない物語です。 そのためにペインは、著書で詳述されているこの数年間を最もよく捉えており、非公式に終了してから 15 年経った今でもあらゆる年齢層 (さらに幅広い層) の聴衆の心に響く瞬間を最もよく表している 15 曲を選びました。 (開示: ペインは元ビルボードのライターであり、長年の友人です。)

以下は、ペインが選んだ作品を彼自身の言葉で、ほぼ時系列に並べたものです。 インタビューはわかりやすくするために編集され、要約されています。 あなたの息子たちは今夜どこにいるの? 』は本日（6月6日）ハーパーコリンズから発売される。

この本の物語として、私は主流の第 3 波のエモと、それ以前のエモの波を結びつけたかったのです。 最近の人は、すべてが中西部発祥ではないにもかかわらず、それらすべてについて語るために「中西部エモ」という包括的な用語を使用しています。 三つ編みとかアメリカンフットボールとかプロミスリングとか。 ゲット・アップ・キッズは、どのグループのバンドよりも、私の本が扱っているエモの時代にまで拡張されているバンドのように感じます。

「Ten Minutes」は非常にキャッチーで、よく構築された曲です。 そして、当時の多くの人々と話したところによると、ゲット・アップ・キッズがポップ・バンドであるということについては、彼らが考え出したどのバンドよりも明らかな誇大宣伝があったようです。 そして、そのアルバム『Something to Write Home About』は、インディペンデント レーベルである Vagrant から発売されて初年度に約 200,000 枚売れました。 それは Vagrant を地図上に載せ、おそらく私の本の最初の数年間のラベルのようなものになるでしょう。

この曲は 1999 年に発表されました。ゲット アップ キッズの次のアルバムは 2002 年の『オン ア ワイヤー』というアルバムで、どちらかというとインディー フォーク アルバムでした。 そしてそれ以来、ゲット・アップ・キッズは、多くの人が彼らが99年にいるのではないかと思っていたほどのポップ・クロスオーバー・バンドになることはなかった。 それは彼らが間違ったことや計算ミスをしたというよりも、あのポップクロスオーバーバンドにはなりたくないという彼らの決断のせいだと思う。 しかしそれでも、この曲はこの時代のファーストアルバムの中で最高のポップソングであり、大作ポップアルバムになり得るような気がする。

この本の中で私が大好きなシーンの 1 つは、ジャージーの大規模なショーにバスで現れ、シーンの全員にこれが可能であることを示すバンドです。 これらすべてのバンドにとって、バスに乗るだけでも大したことではありませんが、当時の願望がいかにささやかなものかがわかります。

そうですね、VFW ホールか消防署でプレイするのが好きだっただけです。 しかし、多くの場合、500シーンの子供たちが好きになります。 だから「ただ」と言っても、やはり「くそー、こんなに人がいるのか」という感じです。 これは本当にクールだと思うし、これらのシーンがいかに活気に満ちていたかを物語っています。 だって、あなたが今話していたようなショーは、基本的に子供たちが予約したものなんです。 ライブ・ネイションの作品とは違いました。 それは、ギターセンターか何かでPAを借りたり、エルクスロッジを借りたりする子供たちで、そしてたまたま同時にニュージャージーを通ってやって来た、たくさんのバンドを連れてきた数人の異なる子供たちでした。 そしてたまたま、当時ニュージャージー州ではこのシーンがとても活気に満ちていて、多くの子供たちがそれに興奮していたのです。

振り返ってみると、私の本の大きなテーマは、基本的には「ハードコアバンドはよりポップになる」ということだと思います。 それでおしまい。 誰かがマネージャーになって 1999 年に戻って大金を稼ぎたいと思ったら、それは単なるエレベーター ピッチのようなものだったかも知れません。 「ハードコアバンドを見つけて、もっとキュートでポップなものにして」みたいな。

この曲は 1999 年にリリースされた『Through Being Cool』に収録されています。私がこのシーンに夢中になる数年前のことです。 その年、私は10歳でした。 それで、当時シーンに参加していた特にジャージーの多くの人々と話し、設定が何であるかを正しく理解できるように、慎重に話しておきたかったのです。 そして、「Saves the Day, Through Being Cool」には何度も戻ってきました。 歴史を語る上で、彼らが最初のビッグバンドのようなものだったと思うバンドがいくつかありますが、ジャージーはこの時代で最大のシーン、最も重要なシーンでした。 そしてこの本が始まる99年、最大のバンドはセイヴズ・ザ・デイだった。

このアルバムはまさに議論の避雷針です。 たとえば、人々はバンドがジャケットに自分たちの写真を載せているということではなく、単に白黒の怒ったようなハードコア・アルバムのようなものだと話題にしていた。 そしてライナーノーツには、バンドがパーティーで気まずく女の子たちと話そうとしているというストーリー全体が描かれており、当時のシーンを非常に象徴しています。 そして、この曲の歌詞は、このシーンのあのジャンルのバンドで何度もコピーされるであろう「元カノをチェーンソーで殺す」系のサブジャンルの歌詞を非常に象徴している。 つまり、良くも悪くも、このアルバムとこの曲は、このジャンルに来ることになるものの多くのトーンを本当に設定しました。

彼らが表紙を飾ったことについて話していますが、おそらく彼らのファッションの選択は、ポップフックなどと同じくらい多くの批判を受けていたようです。 彼らが普通の人の服を着ているだけで、非常に焦点が当てられました。

そうですね、それがシーンがここまで大きくなった大きな要因でもあると思います。 それはより多くの人をテントに連れてきたからです。 彼らはごく普通の高校生に見えます。 郊外に住む平均的なショッピングモールの子供たちにとっては、「ああ、このバンドは私かもしれない」という感じだったと思います。 対して、Snapcase や Earth Crisis などの写真のように見えるかもしれません。

それで、この本で私が一番やりたかったのは、実際にそこにいた多くの人々と話をすることによって、語り継がれている伝説がどれだけ本物に感じられるかを確かめることでした。 そして何年にもわたってこの音楽について読んでいると、「なんてことだ、『Understanding In a Car Crash』のビデオが MTV (正確には MTV2) で流れたときのことだ」と言う人がたくさんいます。地下室のショー、地下室が壊れた。」 そこで私は、「それを徹底的に掘り下げてみましょう。それはどの程度真実だったのでしょうか？」と考えました。

結局のところ、それはかなり真実だった。 後で説明するように、2001年にリリースされた重要な曲がいくつかあります。しかし実際には、ニュージャージーのアンダーグラウンド、今では超神話化されたこの地下室シーンから来たバンドとしては、木曜日にMTV2で曲を入手しました。 – ビデオの中で、バンドの一員でショートパンツをはいた男がステージで演奏しているシーンがありますが、あれはかなりクレイジーでした。 そして、このことがメインストリームの多くの人々に、「スクリームを伴うヘヴィロックミュージックはメインストリームに居場所がある」という考えにオープンになったと思います。

この本の中で何人かは、ジェフ・リックリーの歌詞が「女の子についての歌」ではないことの重要性について語っています。 彼らはこのシーンでそのようなことをした最初のビッグバンドだったのでしょうか？ 彼らはもっと崇高なことを最初に考えていたのでしょうか？

そう、これは「ガールフレンドをチェーンソーで殺せ」という歌詞ではない。 ジェフは、歌詞的にはDCのハードコアバンドに本当に影響を受けていて、明らかにFugazi、Q and Not Uのようなバンドも多く、より深く、より知的なメッセージを持っていました。 また、ジェフは非常に本好きの家庭の出身だったと思います。 彼の両親がジェフリー・チョーサーにちなんで名付けたと確信しています。 つまり、彼はそこから来たのです。

そして、ある意味偶然だったが、サーズデイはそれをメインストリームに取り入れるバンドとなった。 サーズデイは「よし、シンガロング・コーラスとハードコアな叫び声とブレイクダウンを取り入れて金を稼ごう」みたいなつもりはなかった。 彼らのことはハードコアとジョイ・ディヴィジョンの撮影を試みていたようなものだったと思う。 しかし、彼らはちょっと的外れで、偶然このことに巻き込まれ、偶然にたくさんの人々とつながることになりました。

リックリーはこの本の中でとても興味深い人物です。 彼はバンドのフロントマンとして主要な参加者の一人ですが、プロデューサーとしてレーベルや A&R の観点から話すこともでき、この物語の他の人物たちとランダムにつながっています。 彼はこの瞬間の究極のコネクターの人物だったのでしょうか？ 彼にインタビューしたときもそう見えましたか？

そう、この本を執筆している私にとって、ジェフ・リックリーはインタビュアーの夢でした。 そして、他のどのバンドよりも、サーズデイは本当にすべての間の結合組織だと思います。 地下室のシーンとメジャー レーベルの A&R ルームの間、ハードコアとポピー ミュージックの間、サーズデイは他の誰よりもそれらすべての間の結合組織です。

今日、人々はそのことに気づき、その功績を認められると思いますか?

そうだといい。 つまり、2003年か4年に初めて彼らに興味を持ったとき、私は多くの点で彼らについてそう感じました。 「Understanding In a Car Crash」や「For the Workforce, Drowning」などの曲の歌詞を読みながら読むと、私のお気に入りの木曜日の歌です。「ああ、もうすぐだ」という感覚で心が開かれます。私のCDラックにある他のバンドはこのように書いていません。」

振り返ってみると、Dashboard に関するすべてが非常に有機的に感じられます。 「なんてことだ、ソロのアコースティック野郎がパンクのショーをやるなんてクレイジーだった」なんて何十億回も言われてきた。 そうですね、この本をよく読んでいたり、この音楽に本当に興味がある人にとっては、それは決まり文句のように感じられるものの1つでした。 でも、それは本当のようです。

「Screaming Infidelities」は、クリス・カラバとアコースティック・ギターだけだったダッシュボード時代の最大の曲です。 そして、それはとても有機的でした – フィドラー・レコード、レーベルを運営していたエイミー・フィドラーは、フロリダの店舗向けに地元の流通を持っていただけで、シカゴやジャージーなどでアルバムを入手するための全国流通を持っていませんでした。 そして、それが大きくなった理由の多くは、Napster が勢いを増しているときに、子供たちが彼のライブを見た後、または彼のライブを見なくても、それを Napster で共有したからです。

面白いのは本の後半で、ダッシュボードがメジャーレーベルと契約し、クリスに著作権侵害対策の広告を撮らせようとしていたとき、クリスが「そんなことはできない、彼らは私の仲間たちだ」と言った後だ。 ファイル共有を鎮圧しようとすることは当時非常に大きなことでしたが、あなたの本では、それがなければこのシーンは同じようには起こり得なかったと主張しています。

そうですね、ファイル共有というのは、今になって振り返ってみると、少なくとも一時期、この業界でどのように利益を食いつぶしたかがはっきりと文書化されています。 しかし、Dashboard のようなアーティストも、Napster がなければ彼らはキャリアを築くことができなかったでしょう。 もし Napster が存在しなかったら、あるいは Dashboard が 99 年ではなく 96 年くらいに始まっていたら、おそらくそれは地元のフロリダのものを超えることはなかったでしょう。

この本の中で私のお気に入りのシーンの 1 つは、2002 年の VMA で MTV2 賞をかけてストロークスと対戦するシーンです。 最終的には彼らが勝利するという、かなり大きな瞬間になるだろう。 明らかに、あなたの本は『バスルームで会いましょう』と比較されるでしょう。なぜなら、多くの点で、この本は鏡像のようなものだからです。これは、川の向こう側で起こっていることです。ニュージャージーの子供たちと同じような子供たちとの、それほどクールではないシーンです。ニューヨークから来た流行に敏感な子供たち。 そして、この本には、2つのシーンがほんの一瞬のように重なる楽しい瞬間があります。 その瞬間は何を意味したのでしょうか?おそらく Dashboard 自身にとってでさえ、彼らのファンやシーンにとって、彼らが互いに対戦し、Dashboard が賞を持ち帰ることは何を意味したのでしょうか?

そう、当時子供だった私にとって、ザ・ストロークスが存在することは知っていましたが、彼らはこれほど巨大なロックバンドとは思えませんでした。 雑誌では確かに大きく感じられました。 彼ら、そしてインターポールやヤー・ヤー・ヤーズのようなバンド、初期のコアなミート・ミー・イン・ザ・バスルーム・バンドのことは、私は間違いなく知っていました。 おそらく、当時の私にとってはホワイト・ストライプスが彼らの中で一番大きいと感じた。 しかし、私や友人、知り合いの子供たちにとっては、ダッシュボードやサーズデイ、フォール・アウト・ボーイのようなバンドの方がはるかに大きく感じられました。 ある意味では、おそらくそれを裏付ける指標があるでしょうし、別の意味では、ストロークスがどれほど重要であるかについて私が気づいていなかっただけかもしれません。

でも、そうですね、あなたは川を境界線として話していました。郊外とニューヨーク市がどれほど近いにもかかわらず、影響力を持っていたという点では、実際には2つの異なる世界のように感じられます。 また、その中には、18 歳以上または 21 歳以上のショーを行うニューヨーク市のバンドに対して、郊外の子供たちがアクセスできる全年齢向けのショーを行うバンドも含まれていました。 また、ニュージャージー州の真ん中から来る場合、ウェブスター・ホールやマーキュリー・ラウンジなどの市内のショーに行くには、費用も高く、思ったよりも時間がかかりました。

当然、これよりも大きなヒット曲について話しますが、「エモ」という言葉を聞いたときにほとんどの人が頭の中に思い浮かべるイメージは、ダッシュボード、そしておそらく特にこの曲だと思いますか?

ある程度の年齢の人だと思います。 たぶん'02年に高校3年生だった人たちだと思います。 彼らにとって、マイ・ケミカル・ロマンスやフォール・アウト・ボーイのようなものはおそらく別のものであり、少しポップすぎるのですが、エモはパンクに近いものであると考えています。 それは、ダッシュボードです。

そこで、私の提案の初期段階では、Jimmy Eat World から始めることを中心に構成しました。 「The Middle」は非常に巨大な曲であるため、明らかに、このシーンで初めて真のポップ トップ 40 ヒットとなった。 そして私はこう思った、「ああ、この物語は完璧だ。アリゾナ出身の 90 年代のエモ バンドで、キャピトル レコードと契約して脱退したが、90 年代のクラシックなアルバムを持っていた。そして彼らはアルバムをリリースした」 「そう、これが物語です。これは非常に理にかなっています。」 そして彼らは私のお気に入りのバンドのようです。 『Bleed American』は私が初めて自分のお金で買ったアルバムです。

でも、私より前の作品でも言ったように、本当に本物にしたいと思っていました。 そして、私が話したシーンの一部だった90年代の人々が増えれば増えるほど、ジミー・イート・ワールドが「ザ・ミドル」で大きくなったように感じ、まるで左翼から外れているように感じた。 人々は彼らにとても興奮していましたが、それはとても予想外のことでした。 シーンの真の中心がどこにあったのか、そして人々が何を話していたのか、どのバンドがアルバムをより似たサウンドに書き換えていたのかということに対して、それは『セイヴズ・ザ・デイ』や『サーズデイ』のようなものだった。 これらのバンドは、まさにこの物語の中心が 99 年から 2000 年頃にあった場所でした。

一方、ジミー・イート・ワールドは、2002年のどこかでステージに突然現れた予期せぬスターのようなものです。そこで私はそれを自分の本に反映させて、どこからともなく、アリゾナ州メサから彼らが突然現れるようにしようとしました。 100ページ入り。

このアルバムと曲は現時点ではかなり広く愛されているように感じますが、当時はピッチフォークやおそらく他の多くの同様の考えを持った出版物で酷評されていました。 ジミー・イート・ワールドが、シーンの中で最も思慮深く親しみやすいバンドの一つであったにもかかわらず、当時まだピッチフォークの嫌われ者だと考えられていたのはなぜだと思いますか?

彼らはとても真剣だからです。 実際、誰かが私に初めて Pitchfork を見せてくれたときのことを覚えている。大好きなバンドだったので Jimmy Eat World について調べたとき、Clarity が好かれていないことにショックを受けたのを覚えている。 なぜなら、私はそれに慣れていたからです。たとえ誰かが『Bleed American』を好きではないとしても、彼らは依然として『Clarity』を愛するでしょう。 それはただ受け入れられたようでした。 それに、当時私が読んでいたのはほとんどパンク出版物だったからです。 私はこのレビューにまったく同意しません。これを書いたのはライアン・シュリーバーだと確信しています。 しかし、とても面白く、よく書かれたレビューだと思います。

でも、そうだ、真剣なものは、都会の20代の群衆の羽をかき乱すようなものでした。 この本の中に、人々がパンクが「腐敗している」とどのように考えているかについての、イアン・コーエンの非常に良い引用があります。 当時のニューヨークやシカゴの 20 代の音楽ライターの多くはそう感じていたと私は本当に思います。 それはもはや政治とあまり結びついていないという事実です。 そしてそれはまさに自分自身に関するものでした。 X世代や90年代のパンクキッズの多くはそのことに腹を立てていたと思う。 そして、正直に言うと、おそらく疎外感を感じ、老いを感じたでしょう。

ああ、中古品はとても重要だ。 そして、この本に取り組み始めるまで、私はそのことに本当に気づきませんでした。 「Taste of Ink」は彼らのセルフタイトルアルバム「'02」からの、最高のクラシックアルバムです。 それが発売されたとき、私はそれに十分なチャンスを与えませんでした。 「The Taste of Ink」のことは知っていて、セカンドアルバムも購入しましたが、それほど多くの時間を費やすことはありませんでした。 最初のアルバムは非常に巧妙に制作されていますが、非常に生々しくて危険でもあります。 バランスを整えるだけです。

サーズデイからMCRへのスルーラインは、「サーズデイ、あなたにMCRをもたらしたバンド」として、現時点ではかなりよく知られていると思います。 それは本当です。 しかし、MCRを作ったバンドという点ではコインの裏側がThe Usedです。 たとえば、大きくなるのはドアを通過した 3 番目か 4 番目のバンドであるという話のように、The Used は MCR の直前のバンドで、数年間でかなり大きくなりました。 バートはケリー・オズボーンと30分間デートしており、当時MTVの巨大番組だったオズボーンに出演していた。 「The Taste of Ink」は大ヒット曲で、この曲の成功により、メインストリームにおけるスクリーミーなポストハードコア音楽への扉が本当に開かれたと思います。 木曜日よりもさらに。

MCRのバートとジェラルド・ウェイが、見知らぬ人の前でキスしたり手をつないだりする、必ずしも性的なものではない一種の肉体的な浮気をしていたことが本の中で語られていますが、彼らはある意味挑発者としてボタンを押していたのです。そうやって。 この本の中で、当時同性愛者であることを公言していた人物についてはあまり触れられていない。これらのバンドの多くが半中性的または性別を曲げた美学を採用していた一方で、実際のクィアネスについてはほとんど議論されていない。 バートとジェラールがイチャイチャするようなことは、当時より進歩的に感じられたと思いますか、それとも退行的に感じられたと思いますか? そして、当時のシーンには本当にLGBTQの存在はあったのでしょうか？

非常に複雑な質問です。 それ自体が 10,000 語のエッセイのようなものです。 つまり、このシーンは非常に退行的で​​、伝統的なジェンダー規範を多くの点で強制していました。 でも、あなたが言ったように、ザ・ユーズドやMCRのようなメイクをしていて、伝統的な男性的な服装をしていなかったバンドもいました。 そして、ジェラルドとバートがカメラに向かってキスしていましたが、残念なことに、少なくとも大勢ではない限り、それが誰かを外へ出させることを奨励したとは思いません。

それは残念なことだ。なぜなら、私はこのようなことを考えているし、人々はジェラールの長年の姿や彼の姿、そしてこの音楽における彼が何を意味するのかを見ているだけだから、彼は間違いなくこのシーンをより多様性に富んだものにしてくれた。 MCR をライブで観たり、When You Were Young や Adjacent Fest のようなフェスティバルに行ったりすると、特に MCR が演奏するショーの場合、それは明らかに非常にクィアなシーンになります。 それは素晴らしいことだし、このシーンが今でも重要であり、今でも何か意味があるように感じられるのは、正直に言ってそれが大きな理由だと思う。

そうは言っても、当時のジェンダーや人々の自己表現の限界をある意味でこれほど押し広げていたのは奇妙であり、同時に非常に同性愛嫌悪的でもありました。 たとえば、私はこの本のために、センシズ フェイルのシンガー、バディ ニールセンと何度も話し合いました。彼はこの本に登場する人物ですが、2010 年代まで世に出なかった人です。 それで「ゼロ年代の時代には外に出ていた人はたくさんいたんですか？」と聞いてみたんです。 そして彼はほとんど誰のことも考えられませんでした。 そして彼は、「そうだ、もし私が2010年代半ばではなく2000年代に登場していたら、おそらくセンスズ・フェイルのキャリアにとっては悪かっただろう」と言った。

バートとケリー・オズボーンのことについて言及しましたね。 面白いことに、これらのエモバンドのいくつかのポップクロスオーバーのようなものは、単なるラジオのものではなく、認知度のものであり、ほとんどTMZのものでした。 彼らのようなパワーカップル、ピート・ウェンツとアシュリー・シンプソン、さらにはトラヴィー・マッコイとケイティ・ペリーも登場します。 エモが国民意識にどの程度浸透し、優れたセレブリティを生み出したのでしょうか?

つまり、それがなぜ 90 年代ではなく 00 年代に大きくなったのかに大きく関係しているのは間違いありません。 キャプテン・ジャズは間違いなく有名人と付き合っていなかったようなものです。 おそらく彼らがそうしていたら、アメリカンフットボールはその時代に当然の価値を得ていただろう。

TBSはまさに高校生のような感じです。 何人のメンバーがバンドを脱退してバンドに加入したのか、そして長年にわたる口論など、多くの点で彼らは今でもそうしている。 そして、『Tell All Your Friends』の多くは、彼が言った、彼女が言った、ただくだらないやり取りをしているだけです。 これは、その直後に登場したすべてのもののトーンを実際に設定したアルバムの1つです。 アルバムに関して言えば、アルバムがリリースされるやいなや、シーンのどのバンドも「ああ、シーンは今この方向に進んでいる、次のアルバムを書き直さなければいけない」という感じだ。 このアルバムが 2002 年にリリースされたとき、これはシーンのバンドの基準点でした。

面白いことに、今振り返ってみると、これらの曲の多く、そして特にこの曲は、今では多くの人がシーンについて残念なことだと見ているような気がする――シーンの卑劣さや女性蔑視という点で。 、そしてそれに焼き付けられたちょっと悪い雰囲気。 しかし、それは20年後の人々のこの曲に対する愛着を傷つけるものではないようだ。

そうですね、明白な理由は、ジェシー・レイシーやブラン・ニューが告発されたようなことでテイキング・バック・サンデーのメンバーが告発されなかったことです。 実際に一線を越えるという観点から考えると、すべての歌詞が頭から離れているわけではありませんが、一般的には、高校生でちょうど同じような不安な感情を抱えているという領域をカバーしていると思いますデートや付き合う必要のある友達について。 もしかしたら、ある種の暴力的なイメージを使っているのかもしれませんが、それを表現するのに最適な方法ではありません。もうティーンエイジャーではないのなら、もっと健全な表現方法を見つけていることを願っています。 でも、そのくらいの年齢の人たちにとって、思春期の不安を晴らすための音楽があることは、15 歳などの一部のようなものだと思います。

TBS とブランニューの間の確執は、エスカレートし、エスカレートし、そして再びエスカレートし、最終的には非常に縄張り意識を持つものになりました。 どちらか一方に共感できるような、このような対立する派閥が存在することでシーン全体が盛り上がったのでしょうか？ 過去40年間のほとんどすべての主要なロックムーブメントの中心には、「ああ、あなたはこのバンドの人か、あのバンドの人かのどちらかだ」というような葛藤があったように思えます。

人々が「Taking Back Sunday」の曲に興奮する理由には、依然としてライバル関係が大きく関係していると思います。 たとえば、この夏のツアーで彼らを観たら、最高を超える曲のひとつはきっと「No I in Team」になるだろうし、あの曲はまるでジェシー・レイシーについて書かれたような曲だった。 それはまさに、シーンに入りたてで数曲聞いたことはあるものの、『テイク・バック・サンデー』については何も知らなかった友人と一緒にショーに行くとしたら、ただこうなるだろう、というようなものだった。 「そうそう、人気が出始めているロングアイランド出身のBrand Newというバンドがあるんですが、この曲を演奏させてください。この曲は歌手についての曲です...」

だからすぐに物語が生まれて、「ああ、これがアルバムだ、曲がいいな」というだけでなく、あなたを引き込むフックがあるのです。 人々を音楽に引き込む上で、物語は常に非常に重要です。 そして、これには間違いなく不快な部分と、今振り返るとかなり陳腐な部分があります。 しかし、この対立は非常に現実的で、間違いなく 2000 年代初頭の数年間は続きました。

私がこの本の中でBrand Newにアプローチした方法を、本の冒頭ですべて説明しました。そこで私は「ジェシー・レイシー自身を美化することなく、Brand Newがどこでどのようにエモの物語を巨大化させたかを示すことを目指しました。」と述べています。 そして私は彼に対する告発が何であるかを言いました。 これは、私がウェブサイトにその時代の最高の曲のリストを書いているとしたら、現時点ではおそらく Brand New にスペースを与えないだろうという類のものです。 なぜなら、なぜ彼をさらに称賛する必要があるのでしょうか？ しかし、本を書くにあたって、Brand New について話し、彼らの影響について語らずにこの物語を語ることはできません。 特にオーラルヒストリーなので。

彼らの魅力は非常にカルト的で具体的であるため、言葉で言い表すのは難しいです。 そして私にとって、この曲がそれを最もよく表しています。 この曲の大部分は歌詞に基づいたものになっています。 最初の2分くらいは、ほんの少しのギターと、パーカッションがほとんど入っていない、非常にまばらな曲です…これは、ライブショーでは、子供たちが一緒に歌いながらこれを食べているまさに瞬間でしょう。 あなたがそばにいなかったら、解読するのはとても奇妙だったに違いないと思います。 だって、それはまるで、「この男はこれについて本気なのか？ 彼は本当に『私は天から遣わされた人間だ、忘れるな』と言っているのか？」というようなものだからだ。

私自身、そしてこれについてどう感じているか – 私はBrand Newが大好きでした。 何かのブログで、このシーンのバンドのアルバムのランキングをやったのを覚えています。2014年か2015年だったと思いますが、そのときは『Deja Entendu』を1位にしました。つまり、これが私の原点です。 でももしブランニューが今再結成するとしたら、私はそのショーには行かない。

Deja Entendu と、このアルバムが現時点のファンの間で保持しているユニークな地位は、実際にクロスオーバーすることなく得られる限りの大きさだったというようなものですか? この時代の象徴的なリリースのように感じますが、アルバムには実際のヒット曲はなく、より大きな意識に浸透しませんでした – ジェシー・レイシーはポップスターではありませんでした – それはある種最大のことのように感じますかエモキッズが今でも完全に自分のものだと言えるもの？

うん。 「横断せずにシーンに入ることができる限り大きく」というのは、それを説明するのに非常に適切な方法のように感じます。 そして、それこそが、2010年代に入ってからも、シーンの子供たちがこの音楽を自分たちにとって非常に身近なものとして所有していた理由だと思う。 それはまだ彼らのものであるように感じたからです。 フォール・アウト・ボーイやMCRのようなバンドがポップスターの座を飛び越えたのに対し、ブランニューは決してそうではなかった。 しかし、彼らがツアーを発表した瞬間、チケットは完売するだろう。

この本に関して、私がもう一つ書いているのは、この本がジェシー・レイシーによって傷つけられた人々にこれ以上の苦痛を与えないことを心から願っているということです。 物語を伝えるために、Brand New を含める必要がありました。 しかし、私が誰かの人生にこれ以上の苦痛を与えないことを願うばかりです。

これらは今でもエモの夜や、大人数でノスタルジーを感じる瞬間に定期的に演奏されていると思います。 平均的なファンに関して言えば、ブランニューと人々の関係について何らかの考慮があったと思いますか? シンガロングの瞬間が起こったとき、今とは違った雰囲気がありますか？ それとも、「いいえ、これらは私たちの青春賛歌だったので、余分な重みを置きたくないのですか？」

私にとって、そのようなことが非常に公的な場で行われるとき、私はそれに興味がありません。 残念ながら、多くの人は気にしていないか、本当に知らないだけだと思います。 音楽業界で働いていると、多くの人が音楽を Spotify でストリーミングするだけで音楽を体験していることを忘れがちだと思います。 そして、これらの人々はウィキペディアを読んでいるわけでも、ニュースを追い続けているわけでもなく、アーティストに関する具体的なことのほとんどを追い続けているわけでもありません。 おそらく多くの人が、Deja の曲は Spotify のエモ プレイリストに時々登場する曲だと思います。 そしておそらく多くの人はジェシー・レイシーの状況さえ知りません。

彼らは基本的に、私が先ほど話したハードコアなこと、つまりハードコアポップを作るということを、できる限りのことを取り入れて、それでもハードコア音楽であり続けていると思います。 「Sugar, We're Goin Down」を超えて、それはどこか別の場所に行かなければなりませんでした。 彼らはその方向に向けて可能な限りそれを取り入れました。 そしてフォール・アウト・ボーイはインフィニティ・オン・ハイとともにどこか別の場所へ行った。 でも当時、「うわー、これはピットインできるハードコアのような曲だ – でも常に Z100 に収録されているんだ」って思ったのを覚えているよ。 そして、「これがここの故障です、これが本当に重い部分です、実際には密かにちょっと重いです...これは本当にクレイジーです、これが実際にZ100にあるとは、ほんの少しではなく、かなりたくさんです。」 」

ピート・ウェンツはあなたの本の中で、90年代半ばのシカゴの『レーストレイター』に登場する人物です。 フォール・アウト・ボーイの成功は、ウェンツがパトリック・スタンプという自分のビジョンを実現する歌唱の才能を持った人物と出会っただけだったのだろうか？

パトリックはとても重要だよ。 うん。 これはあります – ピートがこれらのことについて話すとき、どれほど贅沢であるかはとても面白いです。 本の中にピートのこんな言葉があります。「パトリックに出会う前は、真っ白なキャンバスを見つめている画家のような気分だった。でも私にできるのはフィンガーペイントだけだった。そしてパトリックに会い、彼が道を教えてくれた…」でも、それは本当だ。なぜなら、ピートにはビジョンがあったように、ピートはすでにハードコアの中ではマイナーな有名人だったからです。 しかし、ピートは本当は歌手ではありません。 彼はハードコアのフロントマンとしては優れたフロントマンで、叫びますが、歌手ではありません。 そして彼は本当に優れた作詞家だ。 多くのバンドやクリエイティブな成功と同様、これも 2 人のパートナーシップです。 そしてそれがスタンプとウエンツの正体だ――二人は完全に絡み合い、共生し、反対側を埋め尽くし、それだけだった。 彼らは完璧なデュオでした。

あなたの本の中で VMA が何度も出てくるのは面白いですね。これは業界のあらゆる賞番組や受賞の代役のようなものですが、2005 年の MTV2 賞では、マイ ケミカル ロマンスと対戦して彼らが候補に上がっています。 そして彼らは勝利し、これには多くの人が驚いていますが、彼らは立ち上がり、その一環としてMCRに感謝しています。 そして、本の中にアンディ・グリーンウォルドの言葉があって、この2つのバンドはある意味では一緒にいるようだが、ある意味では一緒ではない、つまり自分たちを互いの物差しとして使っている、というものだ。 2000年代半ばのエモを決定づけるバンドとなったこれらのバンドの間には、どんな力関係があると思いますか?

まあ、その部分でも、アンディは「これは彼らの議題が一致した時期だった」のように言います。 これはとても良い言い方だと思います。 つまり、フォール・アウト・ボーイがその賞を受賞し、MCRを叫んだことは、当時のシーンの雰囲気を非常に象徴していたということです。 どこに行ったかというと、「現場を応援しよう！」 そしてその多くは真剣なものです、ご存知ですか？ このシーンはいろんな意味で閉鎖的なもので、とても人気が出ましたが、それでもこの閉鎖的なもの、このカウンターカルチャーのクラブはどういうわけか誰もが考えていたよりもはるかに大きくなったのです。 そして、その精神の一部は、他のバンドを叫び、称賛を歌うことでした。

これは、アーティストがパフォーマンスしているのに、別のアーティストのバンド T シャツを着ているのをよく見るジャンルの 1 つでした。 「ああ、私のバンドもクールだけど、この他のバンドもクールだ」というような雰囲気です。 フォール・アウト・ボーイに叫ばれたMCRはその良い例だと思います。 そして現時点では、バンドは間違いなくフレンドリーだと思います。 彼らが一緒にツアーに出るのを見るのはかなり気分が悪いだろう。 論理的に、それが本当に実現可能かどうかはわかりません。 なぜなら、両方とも大きいですが、かなり異なる方法だからです。 それが、彼らがこの本の共同主演者として私にとって非常に魅力的だった理由だと思います。

究極の完璧な 00 年代エモポップのクロスオーバー シングル:「シュガー、ウィアー ゴーイン ダウン」それとも「ザ ミドル」?

つまり、「The Middle」は私の人生を大きく変えました。 「真ん中」としか言いようがありません。

したがって、少なくともデビュー・アルバム『A Fever You Can't Sweat Out』では、おそらく今では大衆が「I Write Sins Not Tragedies」をビッグ・パニック・ソングとみなしていることはわかっている。 しかし、本物の人なら知っているでしょうが、これがインターネット上で波紋を呼んだ最初の曲でした。 それは「タイム・トゥ・ダンス」でした。 「I Write Sins」はアルバムが実際に発売されるまで入手できなかった。 「Time to Dance」は、ウエンツがパニック! を宣伝し始めてからオンラインで公開された最初のデモでした。 それは彼らにとってすべての始まりとなった曲でした。 そして、もしあなたがその時代に彼らを観ていたら、これは間違いなくあのアルバムの中で最高の反応の一つを獲得しただろう。

多くの意味で、このパニックの時代を何年も生きてきただけです。 とてもクールで私にとってユニークな気がします。 なぜなら私にとって、それは純粋にインターネットから生まれた最初のスーパースターアーティストのように感じられるからです。 『Fever』はそういうアルバムみたいな感じで、そこから最初にヒットしたのが「Time to Dance」です。

もう 1 つ興味深い点は、これと密接に関連しているのですが、誰かがあなたの本の中で、パニックがどのように起こるかについて語っています。 彼らは、「これらの曲をライブでどのようにプレイするか？」ということをまったく考えていなかった、現時点で最初のバンドのようなものでした。 なぜなら、彼らは実際にシーンを通って登場し、ライブ作品で会費を払っていたわけではないからです。 それで彼らはこれらの曲についてより深く考えることができ、必ずしもライブでは翻訳できないような方法で曲を想像することができました – ビートの切り替えや追加の楽器編成など、小さな会場にいる4人が必ずしも自分たちだけで再現できるようなものではありません。 しかし、そのおかげで曲、特にこの曲は音楽的に非常に広がりを感じさせます。

そう、このアルバム、そしてまさにパニック！ 当時、多くの人を怒らせた出来事として。 つまり、彼らはそれまで一度もツアーをしたことがなかったし、契約してすぐに大きくなって、「会費を支払わなかった」からだ――なぜなら、彼らはたくさんのバッキング・トラックを使ってライブで演奏したからだ。アルバム – 彼らは超二極化していました。 誰もがそれらについて意見を持っていました。 彼らはまさにあらゆるものに対する避雷針のような存在でした。

しかし、彼らは今では時代を先取りしているように見えます。

ちょっと偶然です。 なぜなら、彼らは「シーンでバッキング・トラックを受け入れられるようにする必要がある。シーンはあまりにも長い間ライブで余分な楽器を使用することに反対してきたので、バッキング・トラックを正規化する必要がある！」というようなつもりでアルバムを作ったとは思えないからです。 そういう意図はなかったと思います。 その意図は、彼らはこれまでツアーをしたことがなかったので、それ以上のことは分からないということでした。 そして、GarageBand が新しい MacBook に搭載されたばかりだったため、これらの曲を作成するための基本的なテクノロジーが提供されましたが、これまでは基本的にガレージで演奏する人間のガレージ バンドが必要でした。

バンドの当初のビジョンにおいてライアン・ロスが果たした役割は、『パニック!』の今では歴史の中に埋もれてしまっていると思いますか? ほとんどがブレンダン・ユーリーだけですか？

ああ、まったく。 そして、私はこの本の中でライアン・ロスの重要性を強調しようと努めました。 なぜなら、ロスは『フィーバー』の主要作詞家であり、その歌詞の多くは、父親との波乱万丈な関係や、父親の依存症との闘いについての非常に個人的な歌詞のようだったからである。 当時バンドのファンだったので、間違いなくもっとバンドになったように感じました。 たとえば、ブレンドン・ユーリーは歌手だったからある程度は有名だったけど、名前くらいは知ってたよね？ オリジナルのベーシストであるブレントがバンドから追い出されたときは、とても大きな出来事だったのを覚えています。 というわけでパニックのフィーバー時代！ は間違いなくグループの努力であり、ライアン・ロスは主要作詞家であり、ブレンドンとの巨大な協力者でした…ライアンの重要性を過小評価することはできません。

多くの意味で、『ブラック パレード』はこの本ですべてが完成したように感じられます。 MCRは基本的にできる限りのことを取り入れましたね。 まさに、彼らの同類のバンドから考えられる最も野心的なアルバムだ。 そして彼らはそれを見事に成功させました。 この曲は、典型的なクラシック ロック ファン、エモ嫌いを最終的にこう思わせた曲です。ストーンは大丈夫と言ってくれた。」

でも、その後はどうなるの？ 何もない。 それはあまりにもアンタッチャブルだったため、実際にそれを模倣したり盗もうとしたバンドを考えるのは困難です。 「どうやってそれを盗もうとするんだ？」という感じでした。

あなたの本で繰り返し登場する私のお気に入りのテーマの 1 つは、他のアーティストがマイ ケミカル ロマンスについて話し、次のように言うことです。 「ああ、ああ、やつらにやられたんだ」って感じだった。」

そうですね、この本にはそれに関する『Take Back Sunday』からの良い引用がいくつかあります。 そう、これがリリースされたとき、間違いなくいくつかのバンドを嫉妬させたと確信しています。 しかし、音響的にも、美的にも、それを模倣しようとした人を考えるのは困難です。 そして間違いなく、それを超える人は誰もいませんでした。

エモの次の波やリバイバル作品もそうですが、今振り返ると、そのようなものの多くがブラック・パレードの直後の2007年、2008年、2009年に出現し始めたことは、今となってはなんとなく納得できます。 それはブラック・パレードに本当に影響を受けているからではなく、単にエモの主流のものだからです。もしあなたがこのことに本当に興味がある野心的なミュージシャンなら、次はどこに行きますか？ 2007年までに、ジェラルド・ウェイやピート・ウェンツのことをあまり考えていないと思います。 これは、人々がアメリカン フットボールを発見または再発見し始めた頃でした。「あのきらめくリフをやって、どこまでできるかやってみよう」というような感じでした。

おそらく、もっと達成可能だと思われます。

また、多くのミュージシャンは、触れられると感じられるものにもっと興味を持っていたと思います。 それはもう少し親しみやすく、より共有的なものだと感じました。 ブラック・パレードがそうではないというわけではないが、ほら、彼らとその友人たちがハウス・ショーで披露できるかもしれない何かだ。

今から 30 年後、人々がエモを振り返るとき、最初に思い出すアルバムは Black Parade になると思いますか?

うん。 そう思います。 つまり、今です。 たとえそれが当時のお気に入りのアルバムではなかったとしても、エモの主流の瞬間として、これが時代の頂点であることに異論を唱えるのは難しいです。

ブラック・パレードの後、ある意味ですべてが終わったように感じた、「そう、彼らはエモ・ポップをできる限りの範囲まで取り入れた、それで終わりだ、そしてそれはアンダーグラウンドになった」というようなことについて話していたところだった。 そして 2006 年にはパラモアが登場しました。彼らはビッグ バンドでしたが、シーンの外ではそれほど大きくなくても、シーン内で可能な限りのビッグ バンドでもありました。 2006年にパラモアと他のバンド、キュート・イズ・ホワット・ウィ・エイム・フォーが両方とも『フューエルド・バイ・ラーメン』に出演しており、おそらくどちらも同じ規模のバンドだったことを考えると面白い。 あまり長くは続かなかった。

『Riot』が最初に発表されたとき、アルバムアートを最初に見たのか、それとも「ミザリー・ビジネス」を聞いたのかは定かではないが、「確かにそうだね」と思ったのを覚えている。 誰もがバンドが巨大になるだろうと思っていたから、それがいつ起こるかの問題だった。 私が彼らを初めて見たのは、ファーストアルバム『All We Know Is Falling』の裏でした。 ショーには中学生くらいの子供たちがいたのを覚えています。 当時も少しは見かけましたが、ファン層はさらに若かったです。 そして、彼らは歌詞を印刷して持っていました - 子供たちは印刷された歌詞を持ってきて歌いました。 そしてそれは、バンドがいかに異なるファン層、つまり若い子供たち、そして明らかに若い女性たちを開拓しているかを物語っていた。

なぜなら、当時はショーに行くのは、観客の半分、あるいは半分以上が若い女性であることが全くの当たり前のことでした。 このシーンがこれほど大きくなったのは女​​の子の存在が大きな理由であり、なぜパラモアまであのシーンに大物女性スーパースターがいなかったのかを考えるのは、かなりばかばかしく、当惑させられさえする。

単なるスーパースターですらない – これは私たちが話している13曲目であり、ヘイリー・ウィリアムズは、少なくともパフォーマーとしては、私たちが話しているあらゆる種類の最初の女性です。 これらの女性がフロントに立ったバンド、あるいは女性バンドが世に出ていたにもかかわらず、彼らはシーンやレーベル、さらには男性のような支持を得ていなかったという意見はありますか? それとも、シーンがあまりにも男性優位で、そもそもバンドに挑戦する女の子がそれほど多くなかったという事実によって、彼らはある意味落胆したと思いますか? 観客に女性の割合がこれほど多いのに、なぜステージに上がる女性がこれほど少ないのでしょうか?

それに対する答えはまだよくわかりません。 好きになろうとするなら、これの出所を考えて、BamboozleやWarpedのようなフェスティバルのような初期のスロットバンドや、VictoryやFueled by Ramameのようなビッグシーンレーベルと契約したベイビーバンドのことを考えてみてください…ただありました。そのどれにも女性の存在はあまりありません。 残念だけど、パラモア以前の当時、バンドに女性がこんなにたくさんいたということは覚えていない。 ただ、そうではありません。

それはエモだけの風土病ではありませんでした。 エモ、ニューメタル、ニューロック革命の間の 00 年代の 3 つの最大のロックの瞬間を見ると、それらすべての A 層に女性がフロントを務めるバンドが 1 つだけ存在します。 では、それは一般的に 2000 年代のロックの一種であり、おそらくそれらのバンドの叙情的な焦点とステージ外での問題行動のせいで、エモがより注目されるようになったのでしょうか?

また、当然のことながら、エモはハードコアと密接に絡み合っていたため、特に注目が集まりました。エモはイアン・マッケイやレボリューション・サマー、そして進歩的な左翼社会問題にまで遡ることができます。 だからこそ、私はそれが公平だと思うのです – もちろん、これについてはすべてのジャンルを精査すべきですが、エモについてはもう少し特別な精査をするのが公平だと思います。 なぜなら、このジャンルを遡ってみると、それは包括的であると公言していたからです。

「Misery Business」の話に戻りますが、パラモアのシーン寄りで現実的なファンがこの曲についてどう思うか知りたいです。 明らかに、バンドとこのバンドの関係は非常に複雑であり、ヘイリーは、少なくともしばらくの間はこのバンドの演奏をやめるつもりだとさえ言った。なぜなら、このバンドにはある種の退行的なジェンダー力学があるからである。 そして、少なくともこのアルバムの他の曲やその後のヒット曲と比べて、この曲がバンドの素晴らしさを本当に示している曲だとも思えない。 しかし、それは依然として彼らのカタログの中で重要な部分を占めています。 それは真のファンも同様に受け止めているのでしょうか、それとも彼らはそれと複雑な関係を持っていますか？

パラモアのファンの多くは間違いなくこの曲に対して複雑な関係を持っていると思います。なぜなら、長年にわたる歌詞との関係におけるヘイリーの進化についてあなたが言っていたからです。 私が観察したところによると、このアルバムで最も一般的なファンのお気に入りの曲は「That's What You Get」のようです。 私のお気に入りは「クラッシュクラッシュクラッシュ」です。 しかし、私は今でも「Misery Business」がアルバムの中で最も強力な曲の 3 つまたは 4 つのうちの 1 つであると考えています。 先ほどMCRとBlack Paradeについて言いましたが、Riotは必ずしもこのジャンルを音響的に新しい領域に取り入れたわけではないと思います。 しかし、これはシーンが切実に必要としていた声による、並外れたロックアルバムだ。

そのため、この本では、歴史の裂け目で失われていると感じたこのシーンの要素に光を当てたいと思いました。 そして最大のものの一つは、このシーンがどれほどキリスト教的なものかということでした。 「私たちはクリスチャンバンドではありませんが、バンドの中ではクリスチャンです。私たちの信仰は私たちにとって本当に重要です。」とバンドが言うのを聞くのは非常に一般的でした。 当時は、「シーンにはストレートエッジのバンドもいるし、ビーガンのバンドもいる――ああ、このバンドはクリスチャンだ」みたいな感じだった。 それは、エモやポストハードコアで登場したバンドにとって、それらの要素の 1 つ、分類要素の 1 つにすぎませんでした。

Underoath は、こ​​のシーンにおけるキリスト教徒および疑似キリスト教徒のバンドの大規模な一団を代表する存在でした。 パラモアがこの時代に所属していたもの。 パラモアはアンダーロースを愛していました。 彼らはデビュー作『All We Know Is Falling』に大きな影響を与えました。 そして、パラモア、特にファロ兄弟、特にジョシュはまさに「バンドのクリスチャン」のカテゴリーに属していました。

Underoath のファンについて話すとき、彼らはほとんどが、ある種の敬虔なキリスト教徒としてのバンドのファンでもありましたか? それとも、パッケージに付随するようなもので、多くの人はそのことに気づいていなかったのでしょうか?

それはミックスでした。 そして何人かは、間違いなく若者グループのような子供たちで、「ああ、私はアンダーオースとノーマ・ジーンとエモリーとミーウィットユーが大好きだ。なぜなら私はこの音楽に興味があったからだが、両親が許してくれたのはクリスチャンのバンドだけだった」と言うだろう。聞いてよ！」 若者グループの子供たちもいましたし、当時のようなヘヴィな音楽だったので、誰がそれを愛していたかわからない子供たちもいました。

このアルバムの最後の曲は、コープランドというバンドのシンガーが書いた、または共作したもので、イエスについて名前を挙げて歌っていますが、それは明らかです。 しかしそれを除けば、これを解読できる人はいないと思います。

あなたの本の最も面白い部分の 1 つは、それはある意味で悲しいことでもありますが、NOFX のファット マイクとの敵対的な関係です。 あなたの本には、素晴らしい付随的な悪役が登場しますが、ファット・マイクは、これらのバンドで何が起こっているのか完全には理解していないものの、彼らと交流することを余儀なくされている、ある種の別の時代の遺物のような印象を受けます。彼らはパンクの世界のさまざまな場所から来ています。 そして彼はステージ上でバンドメンバーの一人について口論し、それによってバンドは一瞬解散してしまうかも？

（笑） はい。 それは、ファット・マイク/アンダーロースのもので、もしあなたが毎日AbsolutePunkやAlternative Pressを読んでいるシーン・キッズのようなものだったら、これはそのようなものでした。 今では忘れられていますが、これらのことを強調することは私にとって本当に大きな意味がありました。 それは当時もそうでしたし、この時代を象徴するものでもありました。シーンのバンド、つまりフォール・アウト・ボーイやMCRの波がワープド・ツアーで大活躍していたのです。 全体的に巨大だが、Warped Tour はほぼこれらの世界が衝突する会場だった。 同様に、90年代のスケートパンクバンド（ファット・マイクは観客の王族だった）が、ワープド・ツアーで彼らよりもはるかにビッグになっていた若い世代と団結し、はるかに大きな観客を集めることも多かった。 2006年、ワープド・ツアーはフォール・アウト・ボーイとMCRがすべてを追い抜いた最大の年を終えようとしていた。 それでケヴィン・ライマンはもっとたくさんのパンク・バンドをブッキングしたかったのですが、うっかりそのうちの1つがUnderoathを終了させそうになってしまいました。

『Warped』のような、この空間における強制的なクロスオーバーのようなものでした。 なぜなら、そうでなければ、Underoath のようなバンドと NOFX のようなバンドはどちらも Warped Tour コンプ CD に収録されているか、Alternative Press でカバーされていたでしょうが、ファン層に重複はほとんどなかったからです。 この音楽に夢中だった私の友人のほとんどは Underoath が好きでしたが、私は成長してから NOFX を聴いている人を知りませんでした。

この曲は大きかったです。 本当にありえない方法で巨大化しました。 それは彼らのアルバム「The Papercut Chronicles」に収録されており、基本的にはThe Rootsに似ていますが、エモいです。 この作品はフォール・アウト・ボーイがスーパースターになる直前、2005年の初めに発売された。 そして、それはシーンが大きくなるものの1つでした。フォール・アウト・ボーイはジムクラスのヒーローを発見し、出演させましたが、彼らはさらに大きくなりました。 つまり、彼らのフォローアップアルバムには、より大きなプラットフォームが存在するのです。 しかし、ラジオで流行るのはこの古い曲です。

実は、これはまさに 2023 年の物語なのです…

そう、「Cupid's Chokehold」がどれほど大きなものになったかについては、現在と多くの類似点があります。 おそらく発売から2年か2年半後に人気がピークに達したが、すでに次のアルバムサイクルが始まっていた。 つまり、前のアルバムに収録されていた古い曲が、ビッグアルバムになるはずだった新しいアルバムのリードシングルを横取りするようなものです。

Gym Class Heroes にはおそらくもっと良い曲があるでしょう。「Taxi Driver」は私が叫びたい曲で、Gym Class Heroes の真の MySpace 現象の曲です。 しかし、この曲は巨大だったし、この時点ではまだ超白人だったバンドのフロントに立っている黒人ラッパーがこの世界にいたということは、今にして思えばかなりクールなことだと思う。 ウエンツを除けば、ヒップホップ界との交流はあまりなかった。 そして、この曲がどれほど大きくなり、数年間でジムクラスヒーローがどれほど巨大になったか、このシーンから出てくるのは非常にクールでした。

あなたは、エモの歴史のこの時点で、観客は性別の点でほぼ均等に分かれていたと話していますが、おそらく観客の大半はまだ白人でした。 しかし、黒人のエモファンもいて、あなたの本の中で著名なファンの何人かにインタビューしたこともあります。 エモシーンのその部分は無視されているのでしょうか、それとも当時は本当に少数派だったのでしょうか？

残念ながらまだ真っ白でした。 幸いなことに、それ以来、少しは多様になってきましたが、当時は非常に白いシーンでした。 『Gym Class Heroes』は人々の心をより多くのものに開かせたと間違いなく思います。 2005年頃、友人のグレッグのバンドがストーン・ポニーのジムクラスの前座を務めていたのを見たことがあります。 そして、トラヴィーがこう言ったのを覚えています – ここで言い換えています – 「今日のヒップホップ音楽にあまり興味がない人は手を挙げてください！」 彼が目指していたのは、彼のバンドがよりインディーズ的なアプローチ、つまりバックパックラッパー的なものを持っていたということだったと思います。 そしておそらく彼は、多くの子供たちが当時ラップで何が起こっているのか理解していなかった、と考えたのでしょう。 それはおそらく真実です。

しかし、彼はおそらく一部の子供たちにラップミュージックをもっと広めるように促すという良い仕事をしたと思います。 つまり、彼は間違いなく私にもう少し興味を持ってくれました。 私はまだほとんどシーンのバンドしか聴いていませんでしたが、Papercut Chroniclesを購入しました。 今思えば、あれが初めて買ったラップCDだったかも知れません。

これは、エモの 10 年間を締めくくる大きな数字のようなものだと思いますか?

そう、この曲にゲスト参加したゲイブ・サポルタや、ザ・キャブというバンドのアレックス・デレオンのような人たちと話していると、間違いなくそのように感じた、と彼らは当時私に語った。 少なくともしばらくの間は、これがフォール・アウト・ボーイの最後のアルバムになるのではないかという考えが壁にありました。 そして、そうだね、彼らがこのような曲を書いてアルバムに収録するというのはかなり気の利いたことだ。

曲の大きな最後の部分にピート・ウェンツのサークルやディケイダンスのレコードからゲスト・パートを迎え、フォール・アウト・ボーイの古い曲を少しずつ続けて歌い、彼らのスターをたどります…アカデミー・イズのウィリアム・ベケットが歌う曲は、 「Growing Up」はTake This to Your Graveよりも前の曲なので、かなり遡ります。 そして、『Folie a Deux』は発売当時ちょっと誤解されていたが、大失敗ではなかったものの、フォール・アウト・ボーイの上昇軌道を止めるには十分な失敗だったので、我々が知る頃には間違いなくシーン全体と類似しているように見える。 2008 年まで。事態はもう好転することはなく、やや下火になっていました。

この特定の瞬間に、これが常に終点になるのでしょうか? もしフォリー・ア・ドゥーが違っていたら、あるいは他のバンドの 1 つか 2 つで状況が違っていたら、エモはそのような形で、最も 10 年間その関連性を維持できたと思いますか? それとも、スポットライトを浴びた時代は、スポットライトが当たったときに終わることが運命づけられていたのでしょうか？

うん、私もそう思う。 2000 年代の終わりから 2010 年代に至るまで、この時代を生きてきたからです。パラモアはまだ巨大で、最大のヒット曲をいくつか持っていました。 パニック！ まだ一緒にいました。 また、Cobra Starship や Gym Class などの他のバンドも最大のヒット曲をいくつか生み出しました。

しかし、それらのバンドのほとんどはその時点でエモから遠ざかっています。 この大ヒットを記録した時点で、これらのバンドはどれもまだ本当にエモのように聞こえません。

ああ、でも彼らは自分たちのルーツを持ったバンドであり、彼らのファンベースの多くは2009年や2010年代初頭のシーンの子供たちと同じだった。 つまり、あの世界にはまだ大成功を収めているバンドが何人かいたのです。 しかしそれでも、文化として、運動としてのエモはもはや主流ではないように感じました。 たとえポップヒットが続いたとしても、それは何であれ、クールな若者文化を定義するものとして、ある種のコースを走り続けていました。 まあ、クールについてはわかりませんが…当時の若者文化を定義するものとして。

若い子向けの EDM が、ある意味その領域を引き継いだ時期だったと思います。 そして、ロック ミュージックに関して言えば、インディー ロックとブログ関連のコンテンツが他の領域の一部を引き継ぎました。 そして、多くの場合、子供たちは成長するのだと思います。 新しい音楽という大きなものを見つけられず、ただ自分の仕事などに夢中になる子供もいます。 あるいはゲームとか。 それとも別の何か、わかりますか？

このリストにもう 1 曲、2009 年から現在までの本のタイムラインの外にある曲を含めていただければと思います。 その後何年にもわたってエモの炎を燃やし続ける曲の 1 曲、またはその有力な候補は何でしょうか?

ふーむ。 それは、リル・ピープの「コカイン、飛び出し刃…ゴスボーイクリーク…」というような曲です。 でも、そうですね、私はいろいろなことを考えています – MCR の再結成やこれらのビッグバンドの遺産は別として、この音楽が今でも関連性があり、面白く、ノスタルジーだけでなく芸術的成長のためのスペースであると感じさせている理由について多くのことを考えています今ではGothBoiCliqueのような存在だ。特にリル・ピープはそのグループの中で群を抜いて最大だったからだ。

では、子供たちがリル・ピープに夢中になっていたであろうシーンは何ですか？

ええ、その通りです。 たとえば、2005年の「ヘレナ」のビデオをきっかけにMCRの熱狂的なファンになったものの、2010年代半ばのバージョンだ。10年後、あの子はリル・ピープのショーに参加していたかもしれない。

性的暴行の申し立てに関する記事は、性的暴行の被害者にとってトラウマとなる可能性があります。 あなたまたはあなたの知り合いがサポートを必要としている場合は、Rape, Abuse & Incest National Network (RAINN) に連絡してください。 この組織は性的暴行被害者に無料かつ秘密厳守のサポートを提供しています。 詳細については、RAINN の全国性的暴行ホットライン (800.656.HOPE) に電話するか、反性暴力団体の Web サイトにアクセスしてください。

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